Miguelina Rivera

Artiste issue de la scène culturelle contemporaine de République Dominicaine, Miguelina Rivera a été largement exposée en Amérique du Nord, en Amérique du Sud, dans les Caraïbes et en Europe.

Elle a représenté son pays lors d’événements tels que la Biennale de Cuenca, la Biennale des Caraïbes et exposé à la à la Houghton Gallery de New York. et au siège de l’UNESCO à Paris ou devant le Palais de Justice de Liège, en Belgique.

Elle est également l’une des rares artistes latinoaméricaines à exposer et produire une œuvre publique monumentale en Europe. Après des études à l’École Nationale des Beaux-Arts de Saint-Domingue, elle obtient une bourse pour un diplôme technique en Arts plastiques et illustration à Altos de Chavón (école affiliée à la Parsons School of Design). C’est en 1998 qu’elle achève son cursus universitaire et obtient un License en Arts plastiques de la prestigieuse université The Cooper Union for the Advancement of Science and Art de New York. Elle réussit ainsi être la première étudiante dominicaine admise dans cette école.

Elle vit et travaille actuellement en France.

Ma pratique se déploie entre le dessin, la sculpture, l’installation et la peinture, explorant des thématiques liées à la féminité, à la migration et à l’identité. La rouille est au cœur de mon travail, agissant à la fois comme résidu et comme renouveau : une trace vivante à travers laquelle les histoires personnelles rencontrent les récits collectifs.

Ma série actuelle, Skins, explore les plaques d’acier comme des surfaces en constante transformation. Le métal respire, évolue et réagit à son environnement, à l’image de notre propre peau : vivante, protectrice, vulnérable et en perpétuelle mutation. En activant délibérément l’oxydation par le sel, l’eau et des gestes mesurés, je laisse le métal porter les traces visibles du temps, de l’endurance et de la résilience. Les formes circulaires traversent l’ensemble du travail, évoquant l’image d’une horloge et suggérant les rythmes cycliques de la mémoire, de la migration, de la guérison et de la transformation.

La peau du métal devient une métaphore du corps et d’une conception élargie du soi : un territoire et un paysage en mouvement où la mémoire se conserve, se transforme et se révèle. Ancrée dans les tensions propres à la matière, ma pratique cherche à montrer comment celle-ci peut respirer, se souvenir et se transformer, à l’image de la peau.